Diálogos a la Luz de la Luna: La Función del Arte Parte 2/3

La idea de Diálogos a Luz de Luna es poder establecer un ágora de pensamiento literario, un espacio de diálogo con autores de ensayos sobre arte / literatura, en la que podamos aproximar las ideas expresadas en los mismos con nuestro punto de vista sobre los diversos temas tratados. A tal fin cada diálogo tendrá dos interlocutores: el autor del ensayo y Verde Luna.

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Ensayo: La Función del Arte

Autor: Ernsr Fisher

Parte 2/3

 

Pero, ¿no resulta demasiado romántica esta definición del arte como medio de fundirse con la totalidad de lo real, como el camino del individuo para llegar al mundo en general, como la expresión de su deseo de identificarse con lo que es? ¿No es temerario llegar a la conclusión sobre la base de nuestro sentido casi histérico de identificación con el protagonista de una película o de una novela, que ésta es l.a función universal y original del arte? ¿No contiene también el arte el elemento contrario a esta pérdida <<dionisíaca>>, de uno mismo? ¿No contiene elemento <<apolíneo>>, del entretenimiento y la satisfacción que consiste precisamente en que el observador no se identifica con Io que se representa sino que se aleja de ello, vence la fuerza directa de la realidad con su representación deliberada y encuentra en el arte aquella libertad de que la privan las cargas de la vida cotidiana? ¿Y no se constata Ia misma dualidad -por un lado la absorción en la realidad, por otro-la excitación de controlarla- en el modo en que trabaja el artista? No nos equivoquemos: la obra de un artista es un proceso altamente consciente y racional, al término del cual surge la obra de arte como una realidad dominada; de esto se trata y no de un estado de inspiración mística y exaltada.

Verde Luna- La realidad ni siquiera existe como tal, solo la mezcla de estados conscientes e inconscientes. Para poder desenvolvernos en la realidad el ser humano ha desarrollado un cerebro superpuesto en varias capas. Parece que es justamente la última, el neocortex, la que permite una mayor control de la realidad, de las emociones, de la capa inferior se trata de la capa consciente y racional. Estamos seguros de que mucho antes e esa consciencia racional el arte también se expresaba a través de la inconsciencia irracional, puede que su parte más oculta y valiosa y la que permita conocer o aproximarnos mejor al alma, al verdadero espíritu animal que todos portamos dentro. Hay poemas que pueden y deben llamar a lo bello y a lo hermoso pero también hay poemas que sondean en las mayores negruras de la existencia y en ellas no existe elemento dionisíaco y hay una libertad no buscada que no es otra que la del encuentro con el dolor, que también puede ser propio y convertirse en ajeno.

Para ser artista hay que captar y transformar la experiencia en recuerdo, el recuerdo en expresión, la materia en forma. Para el artista, la emoción no lo es todo; debe conocer su oficio y encontrar placer en él, comprender todas las reglas, procedimientos, formas y convenciones con que la naturaleza -la arpía- se puede domar y someter al contrato del arte. La pasión que consume al diletante se pone al servicio del verdadero artista; el artista no es vencido por la bestia: la doma.

Verde Luna- Al igual que hay arpías, también hay otros mundos en la mente de Jasón y sus argonautas. Hay vellocinos de oro, entiéndase ego, hay presencia de dioses inspiradores tal y como invocaba Juan Ramón Jiménez “inteligencia, dame el nombre exacto de las cosas”. El único contrato del verdadero poeta es remover los corazones de quien lo escucha y entregar sus poemas como fuego a una nueva humanidad, siempre con ánimo de ser reinventada tras la lectura.

La tensión y la contradicción dialéctica son inherentes al arte; éste no solo debe surgir de una experiencia intensa de la realidad sino que debe construirse, adquirir forma a través de la objetividad. El libre juego artístico es resultado de un dominio total. Aristóteles, tan incomprendido, consideraba que la función del arte consiste en purificar las emociones, en vencer el terror y la piedad, de modo que el espectador, identificado con Orestes o Edipo, se libere de esta identificación y se eleve por encima del destino ciego. Las ataduras de la vida son rotas temporalmente, porque el arte (cautivar de manera muy distinta a como cautiva la realidad; y en esta agradable cautividad temporal radica, precisamente, la característica del , del placer que encontramos incluso en las tragedias.

Verde Luna- ¿Qué es la realidad? ¿Qué es el arte? ¿Quién vive? En poesía la capacidad (o incapacidad), del lenguaje escrito es el único y verdadero limitante ¿en verdad se puede expresar y transmitir formas diferentes de realidad no vividas a través del simple lenguaje. Quizás fueron estas reflexiones de Aristóteles sobre el arte las que elevaron el espíritu de Alejandro lo elevaron, liberándolo de toda identificación por encima del destino ciego y convirtiéndolo (casi) en un mito. ¿Fue la fuerza liberadora o la potencia de su filosofía?

Bertolt Brecht ha dicho de este placer, de esta cualidad liberadora del arte:

<<Nuestro teatro debe fomentar la emoción de la comprensión y enseñar al pueblo el placer de modificar la realidad. Nuestros públicos no solo deben ver como se liberó Prometeo sino también prepararse para el placer de librarle. Debemos enseñarles a experimentar en nuestro teatro toda la satisfacción y el goce sentidos por el inventor y el descubridor, la sensación de triunfo del liberador.>>

Verde Luna- Recordamos en este preciso punto aquellas palabras de un famoso maestro de poetas en cuyo seno, al igual que sucede en las nebulosas en el espacio, se engendraron las más bellas luces de la razón. Este extraordinario ser afirmó que la poesía requeria de tres complementos ideales; revista, tertulia y teatro. Shakespeare decía que la vida es como una inmensa obra de teatro donde nosotros pasamos representando algún papel, mayor o menor. El arte y sus muchos mundos posibles conviven en un universo paralelo cuya existencia a veces puede ser intuido. El teatro es el equivalente a una hoja de papel, el escenario es su libro.

Brecht señala que en una sociedad donde reine la lucha de clases el efecto <<inmediato>> que la estética dominante exige a la obra de arte es la supresión de las diferencias sociales en el público y la creación, mientras se goza de la obra de arte, de una colectividad no dividida en clases sino universalmente humana. En cambio Ia función del <> propugnado por Brecht consiste, precisamente, en dividir el público eliminando el conflicto entre el sentimiento y la razón, existente en el mundo capitalista.

Verde Luna- Siempre existirá diferencia de clases, siempre existirán humanos bellos, humanos de alma retorcida, humanos sin humanidad y dioses encarnados bajo apariencia humana. Ser humano es ser en contradicción entre razón y emoción. Ese conflicto es casi tan antiguo como nuestra reciente existencia, como especie hemos aparecido en lo que viene a ser en términos evolutivos el último instante del último día del último mes del año. Eso y nada es lo mismo ¿a quien le importa ese conflicto? El mundo, tú mundo y el mío seguirá girando. Y lo importante es que aquí estamos.

<<El sentimiento y la razón han degenerado a medida que la época capitalista se acerca a su fin; entre ellos ha surgido un conflicto indeseable y estéril. Pero la nueva clase ascendente y los que luchan a su lado quieren un sentimiento y una razón en conflicto productivo. Nuestros sentimientos nos impelen al máximo esfuerzo de razonamiento y nuestra razón purifica nuestros sentimientos. >>

Verde Luna- El capitalismo es un mal necesario como el oxigeno viciado de las ciudades que respiramos. Nos gusta la propiedad privada, resultado de la capitalización, la vida en el entorno urbano así lo exige para poder tener un territorio propio en la ciudad. ¿Qué sentido tiene entonces la sinrazón o la irracionalidad? ¿No tiene un papel decisivo en la formación del arte?

En el mundo alienado en que vivimos la realidad social debe presentarse en forma llamativa, bajo una nueva luz, a través de la <<alienación>> del tema y de los personajes. La obra de arte debe penetrar en el público no mediante la identificación pasiva sino mediante un llamamiento a la razón que exige, a la vez, acción y decisión. Las reglas que mantienen la convivencia de los seres humanos deben tratarse en el drama como <<temporales e imperfectas>>, de modo que el espectador haga algo más productivo que limitarse a observar, se sienta estimulado a pensar en y con la obra y acabe pronunciando un juicio: <<No es ésta la manera de hacerlo. Es extraño, casi increíble. Debemos poner fin a todo esto.>> Y así, el espectador, trabajador o trabajadora, irá al teatro a ver:

<<… como un entretenimiento su propia, terrible e interminable labor, con la que debe sostenerse, y a sufrir ei impacto de su propio e incesante cambio. En el teatro puede producirse a sí mismo con la máxima facilidad, porque la existencia más fácil es la que se encuentra en el arte.>>

Verde Luna- La existencia en el arte puede ser en ocasiones el reflejo de una triste existencia fuera del mismo. Una interesante teoría indica que una gran proporción de artistas tienen vidas complicadas y retorcidas. Esto es especialmente notorio en el caso de muchas poetas y pienso en este punto en grandes poetas suicidas que pasaron por este mundo como una estrella fugaz, por un cielo temporal e imperfecto donde tan solo vinieron, brillaron fuerte, iluminaron el rostro de los seres humanos para concluir desvaneciéndose. Ese fue su sino pero también el resultado de su elección y por tanto nada más alejado de la alienación. En el momento en que vivimos en sociedad, acudimos al consumo del arte (que debiera ser más que un bien de consumo un bien de primera necesidad, un servicio para el alma), estamos alineándonos una vez más. ¿Por qué hacer arte para otros humanos? ¿Por qué no hacer arte para otros seres vivientes, reales o imaginarios? ¿Por qué no hacer arte por el arte o por mera necesidad vital? ¿Por qué no respirar arte?

No pretendo que el <<teatro épico>> de Brecht sea el único tipo posible de drama obrero militante, pero cito la importante teoría de Brecht como una ilustración de la dialéctica del arte y de la forma en que la función del arte cambia al cambiar el mundo.

La. raison d’étre del arte nunca es del todo la misma. La función del arte en una sociedad dividida en clases y sometida a la lucha de éstas difiere en muchos sentidos de su función original. Pero, pese a la diferencia de las situaciones sociales, hay algo en el arte que expresa una verdad inmutable. Esto es lo que nos permite a nosotros, hombres del siglo xx, emocionarnos al contemplar pinturas rupestres o al oir canciones antiguas. Karl Marx dijo de la épica que era el arte de una sociedad subdesarrollada, y añadió:

Verde Luna- En pleno siglo XXI nuestras cavernas son museos y nuestras canciones ancestrales viajan hasta las profundidades del espacio grabadas en discos de oro en sondas lanzadas con la esperanza de encontrar a otros “nosotros” para pode decir, no estás solo en tu espacio, en tu firmamento estrellado.  

<<Pero la dificultad no radica en comprender la idea de que el arte griego y Ia épica están ligados a ciertas formas del desarrollo social. Radica, más bien, en comprender por qué constituyen todavía una fuente de placer estético y, en cierto sentido, todavía prevalecen como una norma y un modelo inalcanzables.>>

Verde Luna- La belleza al igual que la verdad que subyace tras los muchos mundos que hay en este mundo se reconoce por sí misma. No es una norma, es un polo al que tiende el espíritu del mundo y del ser humano.

El mismo avanzó la siguiente respuesta:

<<¿Por qué la infancia social de la humanidad, allí donde había alcanzado un más bello desarrollo, no puede tener un encanto eterno, como una época que jamás volverá? Hay niños mal educados y niños precoces. Muchos de los países antiguos pertenecen a la segunda clase. Los griegos eran niños normales. El encanto que su arte tiene para nosotros no está en contradicción con el carácter primitivo del orden social en que nació. Es más bien su producto, y está indisolublemente ligado al hecho de que ñas condiciones sociales inmaduras en que este arte surgió y en las que solo podía surgir nunca más volverán a darse.>>

Verde Luna- Reflexionemos sobre el primitivismo de las siguientes palabras recubiertas, efectivamente de encanto eterno, pronunciadas en el discurso fúnebre de Pericles y que siguen llenando de orgullo y profundo respeto aún hoy en nuestros días, en pleno siglo XXI a quien las escucha:

“Comenzaré, ante todo, por nuestros antepasados, pues es justo y, al mismo tiempo, apropiado a una ocasión como la presente, que se les rinda este homenaje de recordación. Habitando siempre ellos mismos esta tierra a través de sucesivas generaciones, es mérito suyo el habérnosla legado libre hasta nuestros días. Y si ellos son dignos de alabanza, más aún lo son nuestros padres, quienes, además de lo que recibieron como herencia, ganaron para sí, no sin fatigas, todo el imperio que tenemos, y nos lo entregaron a los hombres de hoy.”

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Navona nos trae la Antología poética de Sylvia Plath: versos en la Siberia del corazón

Título: Antología poética

Autor: Sylvia Plath

Editorial: Navona

Calificación: *** (Libro de referencia)

Por: José Carlos Rodrigo Breto

 

La recuperación de la obra de la poeta norteamericana Sylvia Plath es una extraordinaria noticia para la literatura. Un paso más, un avance en esta tarea, es el más que notable trabajo editorial de Navona, que ha presentado la Antología poética que llevó a cabo el marido de Plath, el también poeta Ted Hughes, de forma póstuma y al poco tiempo de haberse suicidado su esposa. Navona, dentro de su colección de Ineludibles, corona esta labor de reivindicación de la autora presentando una nueva y vigorosa traducción de mano de la también poeta Raquel Lanseros.

Hay que reconocer la dificultad del trabajo de Raquel Lanseros afrontando unos poemas tan complicados como estos que son, además, la expresión de una voz única y personalísima. Es todo un reto, y en el prólogo conciso y directo la traductora reconoce la zozobra y la responsabilidad que significan afrontar semejante desafío, que ha resuelto sobresalientemente.

Hughes ordena las piezas por fecha de composición, con lo que construye una Antología poética que también es un recorrido por la compleja evolución, o tal vez descomposición, de la personalidad de la poeta.

La trayectoria literaria vital de Sylvia Plath, en lo relativo a sus publicaciones es muy escasa. De poesía tan solo publicó un libro: El coloso en 1960. Y una narración ya al final de su vida: La campana de cristal de 1963, que se considera una novela juvenil dado que rememora algunos momentos de la adolescencia de Sylvia, pero que al estar escrita al borde del abismo contiene un inquietante mundo que coquetea con el suicidio, la depresión, la locura y la muerte, acusando una especie de barroquismo desasosegante de novela gótica victoriana.

El primer poema seleccionado por Ted Hughes para la Antología poética ya es toda una declaración del estado de ánimo que se irá apoderando de la escritora a lo largo de su vida, lidiando siempre con los instintos suicidas, el desencanto depresivo y la angustiosa presencia de la muerte.

Se trata de La señorita Drake se dispone a cenar, escrito en 1956, y en donde ya aparece el desequilibrio mental de una paciente de un psiquiátrico. Es la primera gran imagen de la locura que antecede a la muerte y que tanto se repetirá en los poemas siguientes. Por eso, el segundo poema, Solterona, nos permite ver el mundo interior de Sylvia Plath: un mundo yermo y helado, en donde no son capaces de arraigar los sentimientos. En un juego climático, la voz protagonista del poema se resiste a la llegada de su primavera interior. Uno de los principales problemas de la autora, su permanencia continuada en una Siberia del corazón.

Una sensación, la de encontrarse congelada, aplastada, sumergida en el agua, que es una fijación en su vida y en su obra. En A cinco brazas de profundidad nos lo advierte con un verso final desolador; “preferiría respirar agua”. La poeta se ubica en toda una tradición de poetas suicidas que se ahogaron, con referencia especial a Virginia Woolf, de quien admiraba tanto su obra como su muerte.

Por todo esto, el suicidio es un motivo continuado. El poema Suicidio en Egg Rock vuelve a trabajar y percutir sobre los mismos mimbres y nos permite intuir el futuro que le aguardaba a Sylvia. La decadente punta de Egg Rock en Massachusetts se había convertido en el lugar favorito y perfecto de los suicidas. Tenía un magnetismo especial para la autora, que no puede evitar rendirle un poema. En La campana de cristal ya señala esta ubicación como el sitio en el que tal vez podría afrontar su suicidio.

Este Suicidio en Egg Rock es una de las obras maestras de la escritora, y lo es, en parte, por el poderío de sus imágenes, perturbadoras, que traen la presencia de la muerte de una manera descarnada y directa: “las moscas se filtraban por la cuenca del ojo de una raya muerta” o “las palabras de su libro abandonaron las palabras como gusanos”, mientras pasa un “chucho corriendo al galope”, como alertado por la presencia de la desgracia en el lugar.

Aunque aparece en la Antología poética como un poema único, Las piedras es la séptima parte de Poema para un cumpleaños. Se trata de un recuerdo de la terapia de electro choque a la que la autora se sometió después de su primera tentativa de suicidio, buscando una cura a esos impulsos. Los rastros que la electricidad deja en la poeta la llevan a equipararse al monstruo de Frankenstein, algo de lo que, en ciertos aspectos, ya habla también en la novela La campana de cristal.

Será en El balneario calcinado en donde podamos comprobar en todo su relieve el mundo visual de las composiciones de Sylvia. Son las ruinas del antiguo balneario de Saratoga Springs como un osario blanqueado al sol, también los restos románticos y decadentes de un naufragio. Es el intento de esta poesía la búsqueda de una forma en la que pueda enseñarnos la enfermedad de los cuerpos. La anatomía entendida como un vehículo para la muerte, una vasija en la que viaja la descomposición, la putrefacción, como unas flores colocadas en un jarrón. Pronto se marchitarán.

Por eso, el cuerpo humano es vida y promesa de muerte en la poesía de Sylvia, y de ese desgarro que provoca tal dualidad nacen algunos de sus poemas más hermosos, pero también más torturados. La naturaleza encierra ese ciclo de vida y descomposición, por tanto es un excelente motivo poético al que referirse para explicitar esta contradicción: Olmo, Tulipanes y Amapolas de julio son composiciones que giran sobre este concepto.

Esta comprensión de la existencia lleva, casi de forma inevitable, a un angustioso devenir que se transforma en insomnio; de ahí que el poema Insomne sume, a la exasperación de una vida insoportable, la destrucción que provoca el no poder conciliar el sueño por las noches. Una situación que, quienes la conocemos muy bien, lleva a entender el amanecer de un nuevo día como la llegada de “la enfermedad blanca” que todo lo inunda con una luz de amargura.

Será Espejo un poema que aúne los principales motivos de la escritora de forma contundente. Cierta mitología romántica, el concepto de locura asociado a personajes míticos como la Ofelia de Shakespeare y, como no, la idea del doble, también muy del Romanticismo alemán en su figura de Doppelgänger o “gemelo maligno”. El tema del doble es un referente en Sylvia Plath. Tanto, que a él dedicó su tesis doctoral.

El término “espejo”, generalmente asociado a la figura reflejada en él, es decir, a un doble, es una de las palabras más recurrentes de la poeta en su obra. Ese desdoblamiento extraño —tratado en extensión en La campana de cristal— y que produce cierta incomodidad o rechazo, confraterniza en este caso con las leyendas de las mujeres del agua como por ejemplo Ondina, de Friedich de la Motte Fouqué. De esta manera, el poema Espejo es un compendio de motivos literarios que abarcan desde Shakespeare hasta el Romanticismo alemán.

Toda la brutalidad visceral, la ira de la voz de la poeta, se concreta en uno de sus poemas más célebres, Papá. El ajuste de cuentas con su padre es salvaje e inmisericorde. Los paralelismos que Sylvia establece entre su padre y el nazismo, con mención de los Campos de Exterminio por su fatídico nombre, así como la imagen desmesurada de un ogro que se asemeja, otra vez, a Frankenstein o Drácula, hacen de esta composición una de las más celebres y estudiadas por la crítica.

La violencia verbal, el odio completo, cristaliza en ese “cabrón”, final. Es un arreglo de cuentas psicológico con la figura paterna en donde sale a relucir todo el aborrecimiento, los problemas mentales a los que la poeta se vio sometida y los complejos que revientan en el poema. Como en la Carta al padre de Kafka, la sinceridad de la autora es un alambre de espinas para la memoria del padre.

La Antología poética aporta algunos de los poemas más celebres de la voz de la autora, como Ariel, Muerte y Cía. y Los maniquíes de Múnich. Se trata de una poesía dañina y suicida, hermosamente herida. Al ir leyendo las composiciones sabemos que, irremediablemente, nos acercamos al fatal desenlace concretado en Filo, escrito en 1963, el último poema de la autora.

Hasta aquí hemos llegado, se acabó”, nos avisa en uno de los versos de Filo. Nosotros sabemos que ahora, con cada lectura, volvemos a conseguir que la poderosa y única voz de Sylvia Plath resuene en nuestro interior y que consiga lo que, curiosamente, no lograron los poemas en ella, encender un fuego de infierno que derrite nuestra propia Siberia interior.

Sobre el efecto del componente literario en la felicidad

Autor: David Blanco

Seríe: Diálogos con el Maestro Pei Di

Lugar: Taller caligráfico en Santiago de Chile

La idea del presente texto es describir desde el enfoque budista y filosófico del Maestro Pei Di, cuáles son los elementos y la descripción que componen la fórmula de la felicidad (A-FUNDAMENTOS) y como el componente literario está presente en la misma (B-CUESTIONES). Todo comentario por parte de los lectores/as será bien venido, la idea es poder conformar un debate constructivo en torno al tema expuesto.

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A-FUNDAMENTOS (enfoque de los elementos básicos que componen la fórmula de la felicidad desde una perspectiva budista)

Maestro Pei Di:

La fórmula de la felicidad según Eduard Punset está conformada por los siguientes elementos:

Felicidad[1] =

E ( M + B + P )  / R+C

Denominador; reductores y cargas.

R- Factores reductores

  • Ausencia de desaprendizaje. La confesión del error es como una escoba, que quita el polvo y deja el suelo más limpio.
  • Recurso a la memoria grupal. Necesaria para poder reconocerse como inserto dentro de una misma comunidad pero pesada carga si se recurre a ella de forma periódica y regular en exceso.
  • Inferencia con procesos automatizados. En este punto mejor darle paso a las máquinas.
  • Predominio del miedo. Cuando no se tiene domínio de sí mismo, cuando se deja ser conducido por el deseo y el ego es constantemente retroalimentado.

C – Carga heredada

  • Mutaciones lesivas. Se producen y se trasnmiten a nivel de ADN, pueden trasladarse de generación en generación, aparecer por el Karma propio de la persona.
  • Desgaste y envejecimiento.
  • Ejercicio abyecto del poder político. Un líder ha de tener dominio completo sobre sí mismo. Ha de recordar que ojo por ojo y el mundo acabará ciego, que el primer deber es proteger a los débiles, no vejar ninguna conciencia humana aplicando el principio de Kant: “obra de tal manera que tus actos puedan constituirse en Ley Universal”.
  • Estrés imaginado e inducido. La enfermedad es el resultado no sólo de nuestros actos, sino de nuestros pensamientos.

Numerador; el motor de la vida y sus factores significativos.

E – Emoción al comienzo y al final del proyecto. Se trata del gran efecto multiplicador, la sal de la vida, aquello que nos motiva, mueve e impulsa. Resulta un factor clave en la fijación de conocimiento, en la creación de nuevos conceptos y es el motor que ayuda en el inicio del destronamiento de lo que ya es aceptado.

M – Mantenimiento y atención al detalle. El objetivo principal de la vida es vivir, pensar y actuar con rectitud. Cuando toda la atención se centra en el cuerpo, el alma languidece. Una vida sin reflexión es una vida animal.

B – Disfrute de la búsqueda y de la expectativa. La mente es como un pájaro inquieto, como un caballo desbocado: cuanto más le das, más quiere.

P – Relaciones personales. Son fundamentales para disminuir nuestro estrés (siempre que estas sean sanas), para disfrutar de las cosas en la vida, para recibir soporte. Conforman la malla de seguridad de cada persona y resultan fundamentales para alcanzar el equilibrio interno de la persona.

 


B- CUESTIONES (planteadas al Maestro Pei Di)

 

VERDE LUNA: El desaprendizaje es un elemento corrector de los factores reductores. ¿La literatura puede aportar elementos que consoliden el proceso de desaprendizaje? ¿En qué medida?

Maestro Pei Di:

Desaprender supone liberarse de una pesada carga que nos permite caminar más livianos. Se pueden desaprender mañas, costumbres, hábitos, ideas preconcebidas, idealizaciones, programaciones, visiones de la vida, cultos, pensamientos, rutinas… desaprender supone modificar la ruta y el flujo a través del cual construimos nuestra visión de la realidad.

Leer nos ayuda a desaprender, nos desestructura, aporta nuevas experiencias (nunca vividas), conocimientos (rebatiendo ademas los que ya se tenían), enfoques, interpretaciones de la realidad que nos orientan ayudándonos a reducir el estrés y ansiedad que a menudo acumulamos durante nuestras vidas ordinarias, lo que eventualmente redunda en una mejora generalizada de la salud física, mental y espiritual de la persona.

Tan fuerte es su impacto que en muchas ocasiones a lo largo de la historía tanto occidental como oriental quemar libros se convirtió en uno de los primeros objetivos de todo régimen represor, instrumentos políticos como la Inquisición, monarca, reyes, emperadores, shogunes y pretendidos hijos del Cielo (como Felipe II con su prohibición sobre los manuales de alquimia aplicable en toda España) y cualquier tipo de sistema en el que el control más absoluto de mentes y corazones fuera prioridad.

Desde el punto de vista del lector, del demandante, del consumidor de contenidos, no solo estaba prohibido adquirir nuevo conocimiento sino también desalienarse, pensar de forma diferente y actuar de forma diferente.

Si de forma complementaria se emplea la escritura podremos cerrar un circulo perfecto, ya que es uno de los mejores sistemas para poder dejar inserto en la memoria grupal, en la sociedad nuestra propia experiencia, una marca de lo que fuimos, la esencia de la experiencia vital en este mundo.

 

VERDE LUNA: Basándonos en la estructura planteada. ¿La literatura aporta o puede aportar elementos diferentes a un escritor y a un lector? ¿Cuáles son los lugares comúnes del escritor y del lector?   

Maestro Pei Di:

El libro o cualquier otra entidad matérica que contenga la obra del escritor o artista narrativo sería el primer lugar común de encuentro e interaccción entre quien transmite su obra y quien la recepciona.

¿Qué diferencia y qué similitudes existen por ejemplo existiría entre la obra de un Shakespeare y un Blansky?

Independientemente de que estos sean o no de una misma nacionalidad ambos autores son a mi modo de ver muy similares:

Uno empleo la pluma y el otro el grafitti como medio de transmisión del contenido que quieren comunicar a una audiencia universal.

Blansky emplea un medio gráfico, que plasma físicamente en un espacio público con el objetivo de comunicar, de emocionar, de denunciar, de darle la vuelta a una idea, a algo que se pensaba que era de una manera. Aporta un nuevo enfoque, quizás solo el suyo íntimamente pero consigue que en parte una comunidad entera lo adopte como suyo a portando transformando un desaprendizaje que podía ser individual en un desaprendizaje colectivo visible a los ojos de todo el mundo. Sí, pinta grafittis ¿pero desde el mismo momento en que estos son insertos en libros ya no se transforman también en literatura?

Shakespeare emplea también un medio gráfico, la escritura tiene su origen en el medio gráfico, en las primeras pinturas de las cavernas. Son una evolución lógica y natural del mismo.

 

VERDE LUNA: ¿El proceso de creación o de disfrute literario existen en proporciones semejantes emoción, disfrute y búsqueda, mantenimiento y atención al detalle

          Maestro Pei Di:

Por supuesto. Al crear una obra literaria se disfruta / sufre casi en la misma proporción a la hora de enfrentarse a la hoja en blanco, principalmente se disfruta del proceso. Otro momento bien interesante es el relacionado con las opiniones de los lectores, es indudable que toda obra acaba siempre en la mente del lector y no antes. Una obra en la que se mantiene adecuadamente la atención al detalle (lo que incluye la consideración y respecto por el lenguaje que se empleará en el texto), es una obra que seguramente tendrá éxito. El éxito de la obra literario añade un componente extra de felicidad, es así.

Al leer la obra debe aportar, debe incentivar, debe ayudar como lector a la desconexión al viaje y a la fusión con la obra. Esto resulta fundamental ya que según plantea el budismo a la vida venimos principalmente a dos cosas: amar y conocer. Estos dos puntos pueden ser alcanzados, pueden ser potenciados a través de una lectura. Es más, hay obras que pueden llegar a orientar o incluso reconducir una parte importante y significativa de la vida de una persona.

 

VERDE LUNA: ¿En qué medida la literatura fomenta las relaciones personales?                       Maestro Pei Di:

Leer nos ayuda a desaprender, nos reestructura, aporta nuevas experiencias, enfoques, interpretaciones de la realidad que nos orientan ayudándonos a reducir estrés y ansiedad, lo que eventualmente redunda en una mejora generalizada de la salud de la persona.

En la lectura hay un fuerte componente de memoria grupal, la Historia de Herodoto es uno de los mejores ejemplos.

La lectura ayuda a desautomatizar, hace que áres del cerebro que se encontraban dormidas / aletargadas resurjan y que inclusive, empiecen a emplearse otras nuevas.


Dejamos al maestro trabajando en su taller; en su interior el pincel vuela, la tinta baila. Una bella caligrafía rellenará el vacio blanco del papel de arroz.

 

El Maestro Pei Di dijo: “Si quieres alcanzar la iluminación comienza por encender la luz”

Pei_Di_Maestro

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Principales referencias bibliográficas:

[1] Fuente: La búsqueda de la felicidad / Eduard Punset